Raquel Welch: La Chica del calendario, Febrero 2008

Raquel Welch, fue el simbolo sexual de los últimos años de la década del 60. Nacida en USA, en septiembre de 1940 como Raquel Tejeda, se hizo famosa filmando películas con poquisíma ropa.
El apogeo de su carrera duró hasta principios de los 70, cuando la estrella dejó de brillar. En los años siguiente filmará películas sin el éxito de taquilla de su primera época.


A Raquel Welch en esos años se le ligaba a Bolivia, y no faltó quien le diera esa nacionalidad. Sin embargo, es necesario recordar que ella es hija del ciudadano boliviano Armando Tejeda, nacido en La Paz. Tejeda llegó a Estados Unidos cuanod tenía 17 años, y se casó con nortemaricana. Raquel Welch en una entrevista, dijo que en su casa nunca se habló español. Pero las raíces en Bolivia de Raquel son muy fuertes, ella es sobrina de la ex presidenta Lidia Gueiler Tejada, que ocupó el sillón presidencial desde 1979 a 1980.

Bueno, Raquel Welch, pronta a cumplir 68 años, sigue siendo parte de las fantasías de los adolescentes de esos años.

Estela Núñez: "Un lágrima" y el injusto anonimato de una buena cantante mexicana, 1970.

La vida artística de la mexicana Estela Núñez, partió marcada por el injusto anonimato que brinda la industria del espectáculo, en algunos casos. Después, la poca o nada información que existe sobre su vida y sus triunfos, no permitieron que la canción “Una lágrima”, editada en 1970 por RCA, fuera el empuje para su carrera internacional.

Estela Núñez nació en la década del 50 y comenzó su carrera como artista infantil en programas de radio. Con el nombre de Estelita Núñez graba sus primeros trabajos en 1966. Sin embargo su impulso vendría el año 1967, cuando fue elegida para protagonizar la película Sor Ye Ye, junto a Enrique Guzmán.

A último momento los productores de la película vieron que Estela tenía una voz muy adecuada para el personaje, pero su actuación los dejaba conforme. Por ese motivo el papel de Sor Ye Ye lo tomó Hilda Aguirre. Así que la actriz solo dobló la voz que había puesto en las canciones Estela Núñez.

La banda musical del filme fue todo un éxito, tanto en México como en España, que Hilda Aguirre grabó los temas del filme, lo que creó más confusión sobre el origen de las canciones. Lejana a ese atisbo de envidia de la protagonista de Sor Ye Ye, Estela Núñez siguió su camino.

En 1970 graba el tema “Una Lágrima”, que fue programado en las radios de Sudamérica, pero sin la promoción necesaria para consolidar la carrera de Estela Núñez fuera de México. Supimos de ella nuevamente en 1980, pero, el tratamiento fue el mismo, poca promoción.

Hoy Estela sigue trabajando, y cantando canciones cercanas al folclore Mexicano y recordando “Una Lágrima”. También en YouTube hay numerosos videos de la Película Sor Ye Yé, donde se menciona a Estela Núñez como la voz de esas canciones que dobló Hilda Aguirre. A veces el reconocimiento tarda, pero llega, aunque sea casi a 40 años. .

Para guardar “Una Lágrima”, haga clic aquí.

Johnny Tillotson: True True Happiness (Verdadera Felicidad), 1959.

"True True Happiness", traducido para algunos países hispanos como “Verdadera felicidad”, es una de las canciones más dificiles de encontrar en las reediciones de los éxitos de Johnny Tillotson. Grabada en 1959, en los inicio de la vida artística de Tillotson, nos llama a seguir la felicidad como único camino real ¿?.

Lo cierto que este artista, nacido en Florida en 1939, se hizo conocido como cantante cuando estudiaba periodismo y comunicaciones. La música, le brindaba una mejor situación que el periodismo, así el este jovencito se dedicó tras egresar, simplemente a cantar.

Conocido en el mundo por el tema Poetry in Motion (Poesía en movimiento), canción grabada por cuanto nueavolero latino de los años 60. Autor de antas canciones que nos faltaría blog para contarlas.

Johnny Tillsoton, a casi cincuenta años de grabado este True True Happiness, esta vigente y actuando.

Par guardar en tus archivos este True True Happiness, haga clic aquí.

Gloria Simonetti: "Para cuando vuelvas", lo único que quedó del festival de Viña del Mar de 1968.

Antes de 1968, poco o nada puede comentarse del Festival de Viña del Mar. Fue ese año, que el certamen tomó vuelo, para convertirse en lo que hoy vemos, un escenario gigante que aplaude y repudia a los artistas, cual circo romano.

Quien batalló con el embrión del monstruo fue Gloria Simonetti, de 20 años en 1968. Su postura y calidad interpretativa quedaron en segundo plano, cuando la prensa de la época se preocupó más de informar sobre su origen de familia acomodada, creando un atmósfera adversa a la joven.

Ese año ganó Luz Eliana, con una canción que representaba a España, tema que pasó al olvido, salvo por una recopilación de temas de los años 60, editado por un sello chileno.

“Luz Eliana, una niña que canta bien; Gloria Simonetti, una niña bien que canta”, fue el ácido titular de la prensa en esos días previos a la década del setenta.

Pues bien, “Para cuando vuelvas”, escrita por Julio Zegers, si no gano el festival ese lejano 1968, ocupó los primeros lugares de los ranking de gusto y ventas de público. Con una letra sencilla, el tema podría haber sido una tonada folclórica de cualquier parte del mundo, pero se quedó sólo con la voz de Gloria.

Al año siguiente Simonetti se toma el dulce sabor de la venganza, gana el Festival de Viña del Mar con la canción “Mira, mira”, de Scottie Scoot. Un tema simplón, que habla de paz y amor, una letra parecida a una respuesta de candidata a Miss Universo. “Mira, mira”, que también trascendió al estrecho escenario de la Quinta Vergara, y se mantiene en la banda sonora de quienes tienen más de 40 años.

Desde ese momento Gloria Simonetti no paró más, hasta nuestros días. Con muchos álbumes y singles editados en cuarenta años de carrera, Gloria Simonetti merece el respeto, incluso de quienes la criticaron por su alta cuna (no es pecado) y crearon un ambiente negativo para ella.

Aunque ella siempre estuvo presente en los programas musicales de los canales de TV durante la dictadura, tuvo una virtud de haber grabado el tema Ojalá de cubano Silvio Rodríguez. Audacia y valor para una cantante en plena época de Pinochet.

Lejana a la política, ella siempre ha estado ligada al mundo de la música, tanto con la izquierda como la derecha chilena. Gloria Simonetti se merece todo el respeto de los chilenos, incluso el mío.

Si quieres archivar “para cuando vuelvas” de Gloria Simonetti, haga clic aquí.

Página web de fans de Gloria Simoneti: http://audio.ya.com/fansgloria

Sally Oldfield: "Mirrors", mezcla de espiritualidad y sencillez que abruma (1979).

El rastro de Sally Olfields tras su éxito de 1979-1980 “Mirrors”, se perdió en el mercado latinoamericano. Sin embargo ella aún permanece vigente y muy lejos de la figura de su hermano, el músico Mike Oldfield (el mismo de Campanas Tubulares de El Exorcista). Recordar y escuchar su “Mirrors”, es volver atrás en el tiempo, cuando nuestros oídos eran bombardeados con música disco, esta irlandesa nos brindaba una bella canción con arreglos y vocalización sencilla.

Sally Oldfield nació en Irlanda en 1947. Sus inició en el mundo de la música fueron en el dúo que formó con su hermano menor Mike, a fines de los 60. Sally se aleja de los trabajos musicales por varios años, hasta que en 1978 graba el álbum Waterbearer, donde viene “Mirrors”.

Después de un tiempo de vivir en Iglaterra, Sally se va a Alemania donde desarrolló hasta hace poco tiempo su carrera artística. Ha realizado últimamente trabajos en España y atiende de vez en cuando a su club de fans de Italia. Además, de cantar se dedica a promover un estilo de vida sana y muy espiritual que asusta.

Para guardar, “Mirrors” de 1980, haga clic aquí.

En Youtube, Sally Oldfield:

Los TNT: "Eso, eso, eso", el primer hit de la nueva ola (1960)

Hablar de los TNT, es recordar un grupo que no tenías esas fronteras imaginarias que provocan odiosas divisiones. También es escribir de un grupo pionero de la llamada Nueva Ola.

Su primer éxito en Latinoamérica, “Eso, eso, eso”, los convirtió los representantes de una juventud reprimida en un medio poco tolerante, como eran nuestros países en esos años. La frescura de su estilo musical, su optimismo, quizás influenció al emergente mercado juvenil de principios de los 60.

Los TNT estaba formado por los hermano Edelweiss, Hermes y Nelly, nacidos en Italia, pero radicados en Uruguay desde la década del 50. Más conocidos como Tony, Nelly y Tim, utilizaron sus iniciales para darle nombre al trío. La varita mágica de la RCA los toca en 1960, donde graban Eso, eso, eso, del compositor Virgilio y Homero Expósito. El éxito es inmediato, que se corona con una gira por Chile, Perú. Colombia, México donde promocionan su álbum “Los Fabulosos TNT”.

La celebridad los lleva a afincarse en España, donde siguen disfrutando del éxito. Al parecer su deslucida participación en el festival de Eurovisión, con la canción “Caracola”, eclipsó la carrera de los hermanos, que se separan en 1966.Cada uno de ellos sigue caminos diferentes y los tres se reúnen esporádicamente para recordar sus viejos éxitos.

Nelly y Tim recorren Latinoamérica llevando sus éxitos, hasta que Nelly contrae matrimonio. Mientras que Tony se radica en Puerto Rico, donde sigue ligado al mundo de la música hasta su muerte en abril del 2005.

Los TNT, junto a Billy Cafaro no participaron directamente de la corriente de la nueva ola argentina, reunida en el Club del Clan, sino que tomaron su propio rumbo, tal vez por eso las reediciones de sus discos no van ligados a los jóvenes de aquellos años, como Palito Ortega , Lalo Fransen o Violeta Rivas.

Eso, Eso, Eso, para recordar y guardar, pinche aquí.

Escucha "Los TNT Eso, eso, eso"

Descarga gratis el MP3 de "Los TNT Eso, eso, eso"

Morris Albert: "Feelings", la peor canción de la música y más encima es un plagio (1974)

En la historia de la canción Feelings (Sentimientos) hay pasajes que cuesta comprender. Primero, es una de las canciones más exitosas de los últimos 35 años, luego es el único hit de cantante brasileño Morris Albert. Al mismo tiempo fue acusado de plagio, por un desconocido (para nosotros) cantante francés, que lleva un nombre poco fino Louis “Loulu” Gasté. Y el remate, en 1998 que fue elegida como la peor canción de la historia.

En 1975, el tema Feelings grabado por Morris Albert ocupaba todos los primeros lugares de los rankings, tanto en popularidad como en ventas. En Sudamérica la canción fue traducida por los sellos grabadores con el titulo de Dime, probablemente basándose en el estribillo.

Morris Albert Kaisermann, nació en Sao Paulo en 1951, y tras pertenecer a varios grupos musicales, tiene sus 15 minutos de fama con su Feelings. La canción fue grabada por Ella Fitzgerald, Frank Sinatra, Elvis Presley, entre los más famosos que se pueden recordar en forma breve.

Albert recorrió medio mundo interpretando su cancioncilla, y de paso incrementó sus ingresos con los derechos que producían sus “Sentimientos”. En eso estaba cuado un cantante y compositor francés, inició una batalla judicial en contra del brasileño por plagio. Loulou Gasté aseguraba de Feelings era igual a una canción que había escrito y editado en 1956, llamada “Por toi”.

Gasté, ante de morir en 1995, a los 88, años recibió 500 mil dólares por los derechos que había reportado a Morris Albert las versiones de Feelings.

Pero eso no es todo, desde Argentina también llegó un reclamo de plagio a Morris Albert. Según una nota aparecida en la Web, el tema Feelings sería una copia de “Tierra Gaucha” del cantante y compositor tanguero Lito Bayardo.

Otro punto que destacar, en 1998 fue elegida junto a otras canciones del pop, como una de las 50 más malas de la historia de la música. Si sirve de consuelo, entre las cincuentas están temas de Paul Anka, Los Archies y Bobby Golsboro.

Pero, mejor nos quedamos con un buen recuerdo de hace treinta y pico de años, y no hagamos caso de tanto envidioso que anda por ahí. Rememoremos cuando bailábamos apretaditos.
Haga clic aquí para guardar en sus archivos Feelings.

*Foto de Louis Gasté tomada de página Web del compositor francés.

Lucho Bermúdez: "Prende la Vela", del Caribe al mundo, 1945.

Lucho Bermúdez es el responsable de éxito de la música colombiana en el mundo, es especial la cumbia y el vallenato. Músico y director de orquesta llevó los ritmo del Caribe a la aristocrática y conservadora Bogotá. En México impuso su ritmo, tomado después por Mike Laure y Rigo Tovar, conocida como la cumbia mexicana. Fundó la asociación que agrupa a los artistas de su país. En resumen, Lucho Bermúdez y su orquesta, se podrían considerar como los padres de la cumbia y sus diferentes variaciones de este siglo XXI:

Luis Bermúdez Acosta nació en enero de 1912 en Bolívar. Comenzó muy joven en el mundo de la música, pero su escuela parece haber sido la Banda Militar del Regimiento de Santa Marta, donde aprendió a utilizar varios instrumentos. Tras dejar la banda, se traslada a Cartagena para dirigir una orquesta de radio Fuentes (base de Discos Fuentes).

Bermúdez conoció en el terreno mismo, en la raíz, los ritmos de las costas de Caribe, que después adaptó comercialmente. A mediados de los 40, lleva su música a las emisoras de Bogotá, donde tímidamente suenan los ritmo caribeños mirados en menos por los bogotanos. Pero la fama de sus temas como Pachito Eche y Prende la Vela, logran imponerse en el pueblo que las siente muy cercanas.

Lucho Bermúdez vive en México un breve tiempo, donde logra que algunos artistas como Mike Laure, de cantar temas de Bill Halley derive en una exitosa carrera con temas musicales como “El Tiburón”, “0-39", y otros que hoy conocemos como cumbia mexicana.

Compositor de más de 100 canciones, según los biógrafos colombianos, Bermúdez siguió frente a su orquesta hasta el día de su muerte, en abril de 1994. “Prende la Vela”, es uno de los primeros temas grabados por Bermúdez, en los años 40. Esta podría ser la melodía iniciadora de la cumbia.

Para bajar este documento de “Prende la vela” de Lucho Bermúdez y su Orquesta, haga un clic aquí:

* Foto tomada de página dedicada a Lucho Bermúdez en su ciudad natal.

Nino Bravo: "Tu cambiarás" a 35 años de la muerte de una leyenda o ¿Mito? (1972).

Si Nino Bravo no hubiera muerto en un accidente hace casi 35 años, ¿seguiría siendo un cantante exitoso? ¿Su fama lograda en tres cortos años se prolongaría hasta nuestros días? ¿O residiría en el baúl del olvido, como otros cantantes de su época?

Las respuestas a estas interrogantes son difíciles de responder, pero hay que tomar en cuenta que Nino Bravo murió en forma trágica, lo que puede haber brindado un poco de fuerza para convertirlo en mito.

Carlos Gardel, Richie Valens, Ottis Redings, Gilda, Leopoldo Labastida, tuvieron un fin trágico en la cúspide de sus carreras. Sus muertes conmovieron a sus seguidores, en su tiempo. En estos casos, a veces la historia conjetura con el futuro y la presunción que el corte de la carrera, dejó sin terminar un ciclo. A veces el mito se convierte en algo parecido a religiosidad popular, como es el caso de la muerte de la cantante argentina de música tropical Gilda.

Por una parte los seguidores del artista aceptan la pérdida, que de inmediato se convierte en negocio para la industria de la música, que como arte de magia reeditan en breve tiempo los éxitos del difunto.

Quizás no sea el caso de Nino Bravo, pero se repite como calco la historia, tras la muerte prematura viene el mito.

De Nino Bravo, que en realidad se llamaba Luis Manuel Ferri Llopis, mucho se ha escrito, de sus triunfos como cantante español, pero poco de su vida personal. Nino nació en Valencia en Agosto de 1944. Su primer éxito fue “Te quiero, te quiero” en 1969.

En 1971 se casó con María Amparo Martínez, al año siguiente nace su primera hija llamada igual que la madre. Seis meses después de su muerte nace su hija Eva.

La vida de Nino Bravo se termina en un accidente el 16 de abril de 1973. El artista viajaba con sus músicos desde Valencia a Madrid. Tenía 28 años. La noticia recorrió el mundo hispano tan rápido como para no creerlo. El próximo 18 de abril se cumplen 35 años de la nueva vida de Nino Bravo: El Mito.

Para guardar la canción de Nino Bravo “Tú cambiarás”, haga clic aquí.

Herb Alpert: "This Guy's in Love with You", Ese muchacho está enamorado de ti(1968).

Herb Alpert, músico, trompetista, cantante y empresario tiene el privilegio de haber compartido los primeros lugares del ranking de la revista Billboard con Los Beatles, Elvis Presley y Frank Sinatra. Sin embargo, parece que su humildad o poco genio, lo han hecho mantener por cuatro décadas un bajo perfil.

Alpert nació en Los Ángeles en marzo de 1935, y comenzó su carrera en el mundo del espectáculo como parte de un grupo musical llamado Trojan Marching Band. En 1960, bajo el sello RCA, Herb inicia ya en solitario su carrera musical. Pero será un par de años después cuando recibe el reconomiento de la industria fonográfica, cuando funda el grupo Herb Alpert y la Tijuana Brass, cuyo estilo influenciado por la música mexicana, en especial la trompeta y la marimba, obtiene el éxito inmediato con temas como "A Taste of Honey” (Sabor a miel) y "Spanish Flea"(Pulga Española)*

Se suceden los éxitos, gana discos de oro y recibe premios, como los Grammy. Sus temas son utilizados en películas de la época (Casino Royale), y de años recientes también.

En 1968 graba "This Guy's in Love with You" (Ese muchacho esta enamorado de ti), una canción donde canta el propio Herb, alejándose de los ritmo orquestados de la Tijuana Brass. El tema, que esta dedicado a la primera esposa de Alpert, fue desaprobado por la crítica estadounidense, pero el público le dio el respaldo en ventas y popularidad.

La Tijuana Brass se disolvió por primera vez en 1969, pero después se ha unido para recordar viejos éxitos. En forma paralela Herb Alpert y Andy Moss habáin creado el sello A&M Records, que innova en varios aspectos la promoción de la música pop. Uno de los principales, sería su independencia de los sellos más grandes.

El trompetista siguió entregando éxitos en los 70 y los ochentas. En 1979 edita el álbum Rise, que se convierte en uno de los más vendidos en esos años.
También crea la Fundación Herb Alpert, que apoya a jóvenes artistas y propicia el cuidado del medio ambiente.

"This Guy's in Love with You" (Ese muchacho esta enamorado de ti), fue escrito por la dupla Burt Bacharach y Hal David, Herb la grabó hace exactamente 40 años y lo dedicó a su primera esposa (Hoy está casado con la cantante Lani Hall).

Para guardar este tema, haga clic aquí.

En You Tube, con subtítulos. Cabe destacar lo sesentero del video. Estos trabajos se hacían como parte de promoción de los discos, muy lejanos al concepto de video clip que vemos en nuestros días.

Festival de la canción de Viña del Mar 1968: 40 años no es nada...

El festival de Viña del mar fue en una época el evento musical más importante de Sudamérica. Durante una semana se olvidaban las alzas, las represiones, había festival.

Máquina propagandística del poder, para apagar críticas y mostrar un país alegre, eran los tiempos de la “plata dulce”. Los grandes artistas del momento y aquellos olvidados, si eran de gusto de los hijos de la autoridad militar venían igual, no importaba su precio llegaban al festival. Hoy el evento sigue siendo un gran espectáculo, pero sin el brillo de hace décadas, donde los artistas ocupaban las notas periodísticas y no las peleas de alcobas de las siliconadas modelos.

Hace 40 décadas desarrolló la novena versión del Festival de la Canción de Viña del Mar. En esos años no se transmitía por TV, solo por radio (La desaparecida radio Minería). Basta ver la cobertura periodística del evento, para darse cuenta que aún le faltaba “brillo” y roce para convertirse en lo que hoy es.

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César Antonio Santis: animador de Viña 1968

“1968: es un año cumbre para el Festival de Viña del Mar, más allá de todos lo pormenores que afectaron su comienzo (…), hemos tenido un torneo musical popular que esta a la altura de los buenos certámenes internacionales”, así describía la desaparecida revista ECRAN los días de espectáculo.

La animación del Festival fue de César Antonio Santis, quien tuvo la responsabilidad de estar a cargo las siguientes versiones del certamen hasta 1975.

Santis compartió la conducción con otros locutores, pero él fue el estelar. En ese tiempo su novia, una azafata de Lan Chile, Cecilia Páez, lo acompañaba a todas partes.

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Sandro: el joven artista argentino invitado al show de Viña 1968.

La gran figura del IX Festival de Viña fue un joven argentino de 23 años, que había ganado el primer Festival de la canción de Buenos Aires, "el gitano, Sandro".

Tras sus dos días de presentaciones en el festival, la prensa escribe: “Allí está Sandro el gitano cantando “Las Manos”, uno de sus temas más populares. Ya comienza la locura, el temblor que lo recorre entero, y las manos que a lo largo de la canción se van volviendo crueles, tiernas…, maravillosamente explosivas”.

La periodista de la revista ECRAN, Gloria Pérez, en un reportaje de dos páginas escribe con pasión y no esconde su gusto por su entrevistado. A tal punto que finaliza la nota de esta forma, casi como una declaración de amor: “Sandro, que en el escenario parece una figura demasiado bella, casi delicado. Y que en realidad es un muchacho dulce y viril”.

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Gloria Benavides (La Cuatro), en Viña 1968

Otra artista que también sigue vigente y que participó en el show del festival de Viña del Mar fue Gloria Benavides, conocida hoy como “La Cuatro” en el programa Sábado Gigantes. Con 19 años la prensa de la época la presentaba así: “…Parecía una niñita de 13 años y cantó con la misma voz de siempre”.

Gloria siguió su carrera con bastante éxito, hasta que en 1976 cambia su rol de cantante por humorista, presentándose en el Festival de Viña dle Mar de 1975, como "La Cuatro Dientes" (personaje de otro humorista, Bigote Arrocet).

En esos años La Cuatro estaba casada con el cantante Pat Henry, hoy radicado en México.
Para recordar qué cantaba Gloria en esos años:"A mi edad"

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"Palabras" representando a España ganadora Festival de Viña del Mar 1968, cantada por la chilena Luz Eliana.

Bueno, y la canción ganadora fue de España, pero cantada por la chilena Luz Eliana, quien ya tenía una carrera consolidada como figura de la Nueva Ola criolla.

El tema musical de los autores Jorge Domingo y Enrique Carnicer, “Palabras” pasó a ocupar el listado de las canciones menos recordada del certamen.

Los periodistas en esos años no cuidaban su entusiasmo al escribir sobre la intérprete de la canción ganadora: “Es de carácter firme y temperamento honesto. Ya lo demostró en el festival de Viña del Mar, y el publicó aplaudió delirante. Quiere llegar a ser una estrella de la categoría de Mina ”.

Bueno, cuatro décadas después podemos contar que Luz Eliana, en los siguientes años bajó su popularidad, y hoy sigue cantando en locales y presentaciones privadas, luego participar activamente en una iglesia evangélica de Santiago de Chile.

"Palabras", ganadora de Festival de Viña 1968, click aquí.

... Y para terminar, hay que recodar que este IX Festival de Viña del Mar, fue organizado por el municipio de Viña del Mar y radio Minería.

Para transmitir el certamen la emisora invirtió 110 millones de pesos, se compraron 7 micrófonos Neuman. Mesas de sonido: “Esto han producido una audición perfecta, tanto en el recinto de la Quinta Vergara (lugar donde aún se realiza), como en las 14 radio de la cadena Minería”, explicaba el director artístico Roberto Rojas.

En realidad, 40 años no son nada…

Bárbara y Dick: "El Funeral del labrador" (1966)

Alrededor del famoso dúo Bárbara y Dick se tejió una confusa historia de amor entre la pareja, mito alimentado de una u otra forma por ellos mismo o su entorno en el sello RCA. Lo importante que la dupla es considerada una de las famosas de la música pop argentina.

Bárbara Bourse (1947) y Fernando Sustaita (1942) se unieron a mediados de los años sesenta y tras participar en el festival de la canción de Buenos Aires, saltaron a la fama con su versión de “El Funeral del labrador”, escrita por Mello Nieto y Chico Buarque. Canción, aparte de grabarla en español, la hicieron en portugués y en otros idiomas. El éxito del dúo llega a todo el mundo.

Por su calidad interpretativa Bárbara y Dick obtiene fama internacional. Asisten al show de Paul Anka, visto por millones de estadounidense. En Argentina también tienen su show, en el Canal 13 llamado “La tarde de Bárbara y Dick”.

El dúo se separa, se vuelve a unir, pero la fama es más importante y los mantiene unidos hasta la muerte de Fernando Sustaita, víctima de un cáncer a la garganta en agosto del 2006. California Somnolienta. Guantanamera, Facundo, Sunny y Respirando, son sus grandes éxitos.

Hoy Bárbara sigue cantando en solitario, recordando sus éxitos como dúo. Con respecto Al Funeral del Labrador, también es una osadía cantar un tema cargado de contenido social, pero bajo la poesía de Buarque.
Cabe señalar que en Latinomerica vivía bajo la bota militar, los movimientos estudiantiles, como es el caso de México y la matanza en la Unam, en Octubre de 1968, o la reforma agraria impulsada en Chile por los gobiernos de Frei y Alessandri.

Para guardar “EL Funeral de Labrador”, haga clic aquí

Dalida: "Gigi el amoroso"... ¡¡¡Gigi!!!, ¿ estás ahí? (1974)

Hablar de Dalida, es hablar de más de 30 años de vida artista y un sinnúmero de trabajos musicales. Además de una vida llena de sufrimientos y éxitos. El 3 de mayo de 1987, los diarios publicaron una nota que había dejado la cantante antes de suicidarse, donde pedía perdón ya que “la vida se le había hecho insostenible”, tenía 54 años.

Dalida, (Christina Gigliotti) nació en Egipto en 1933, hija de italianos, al morir su padre se va a París a buscar el éxito. En Egipto deja una incipiente carrera de actriz. Le costó, pero pudo Dalida triunfar, y fue con una canción “Madona” y participa en películas.

El éxito llega y se suceden uno tras otro durante la década del sesenta. En 1967 acompaña a su pareja, el italiano Luigi Tenco al Festival de Sanremo, quien participa con la canción Ciao, Amore, ciao. El cantante no soporta no haber ganado el certamen y se suicida, en un hecho que hasta hoy es confuso.

Dalida se derrumba y al poco tiempo intenta suicidarse. Como consuelo por la muerte de Tenco, graba la canción Ciao, Amore Ciao, que se convierte en un éxito. Sigue grabando y sus discos se venden por millones.

Luego viene Palabras Palabras* con Alain Delón, otro éxito asegurado. En 1974 desde el Olimpia de París surge el éxito con Gigi el Amoroso, que es grabada por ella en varios idiomas incluso en japonés. Recibe premios en todas partes, vende millones de discos, pero a mediados de los ochenta ya anuncia su retiro, pero nadie cree que será para siempre.

Dueña de una estampa de mujer ganadora, tuvo que pasar por una serie de hechos fatales en su vida sentimental, sus parejas después de Tenco, también se suicidaron. Lisien Morisse, en 1970 y Richard Chafray, en 1983.

Gigi el amoroso en español, clic aquí.

En Youtube:

Carlos Mejía Godoy y los de Pacalaguina: "Son tus perjumenes mujer" (1976)

Hablar de la música de Nicaragua, es hablar de Carlos Mejía Godoy, quien desde hace más de treinta años recorre el mundo mostrando el folclore de la nación centroamericana. Ligado a la lucha social del sandinisno, por revertir la situación de Nicaragua, él y los Palacaguina han llevado el folclor de su tierra a Europa y a los países vecinos de Sudamérica.

Carlos Mejía Godoy nació en junio de 1943, hijo de músico y profesora, se inició cantando canciones con gran contenido social o político, según desde el punto de vista que se mire. Su simpatía con el Frente Sandinista de Liberación Nacional, está presente en gran parte su obra.

A mediados de los 70 recorre Europa junto a Los Pacalaguina, donde aparte de cantar explica los motivos de la Revolución Sandinista, que sacará del poder a la dictadura de Somoza en julio de 1979.

Esta foto de una madre sandinista
amamantando a su bebé, en plena
lucha contra Somoza, recorrió el mundo.

En 1977 su canción Quincho Barrilete, interpretada por Eduardo González, gana el festival de la OTI, convirtiéndosé en todo un suceso.

“Son tus perjumenes mujer”, es un tema lleno de picardía, quizás algo extraño hoy por su lenguaje, pero muy válido en su época. Además, nos entrega un paisaje imaginario de Nicaragua, donde no sólo se vive de política sino, de amor, de ese amor del bueno.

Para guardar"Son tus perjumenes", hacer click aquí.

Viola Wills: "Gonna get along without you now"...una vieja canción de los cincuenta, éxito de la música disco en 1979.

Una de las canciones menos reeditada de la época de la música disco es “Gonna get along without you now”, la cantante norteamericana Viola Wills. Fue una de las más bailadas en las discotecas del mundo durante el año 1979, y dejó el nombre de su intérprete a nivel mundial.

¿Pero quién es Viola Wills? Saber algo más de ella en estos tiempos parece ser una cosa sencilla, pero no es así. La poca información que se puede obtener es de su página en Internet, donde como en cada sitio Web de artistas, es muy poco consistente en datos e información. Generalmente en las webs oficiales, está la historia oficial, que omite hechos o sucesos que dañen la imagen del idolo.

Bueno. La carrera de Viola Wills antes de Gonna get along without you now, de 1979, se inició de la mano de Barry White a fines de los 60. En esos años grabó dos canciones que pasaron sin pena ni gloria. Después Viola formó parte del staff de Joe Cocker, para decidir continuar en solitario y luego grabar su éxito mundial.

El triunfo en la carrera de Viola Wills llegó en la madurez -ya era abuela-, pero la celebridad le sirvió para seguir adelante con su carrera de solista, en Europa donde siguió trabajando y dedicando su trabajo más orientado al jazz.

En cuanto a la canción Gonna get along without you now, Viola Wills la tomó de un antiguo éxito de dúo Patience & Prudente, grabada en 1956 por las hermanas MacIntyre. Esta adolescentes de 11 y 14 años, respectivamente, eran hijas del músico y director de orquesta Marck Macintyre, famoso en la década del 40 por haber trabajado con grandes artistas como Frank Sinatra.

Paciencia y Prudencia MacIntyre también grabaron otros éxitos como Tonight You Belong to Me. La carrera de estas hermanas con cara de niñas buenas finalizó con la década del 50, y su rastro se perdió. Pero no hay mirar en menos a esta cándidas hermanas, según los investigadores de la música pop norteamericana, a pesar de haber tenido una corta carrera musical, sus canciones han sido tomadas por otros artistas, además se les indica como inspiración otros grupos femeninos de principios de los 60.

Para conocer la versión de “Gonna get along without you now”, de 1956

Volviendo a Viola Wills, ella sigue trabajando y grabando nuevos temas, eso si, ligado más al mundo del jazz que de la música disco. Para recordar este éxito del baile de los 70, “Gonna get along without you now”, solamente haga clic.

En Youtube: "Gonna get along without you now”

Los Impala: "La vi parada allí" (I Saw Her Standing There), for export Venezuela (1965)

Venezuela posee el privilegio de contar en su historia del pop o nueva ola, con un grupo que no solamente desarrolló su actividad musical en su propio país, sino que gran parte se realizó en Europa. Según los investigadores del pop venezolano, Los Impala se codearon con los Rollings Stones y otros grupo de la llamada “Invasión Británica”, además de españoles, como Miguel Ríos.

La historia de Los Impala cumple 50 años de música, ya que fueron fundados en 1958 por Henry Prado, Servando Alzatti y Gilberto Urdaneta, pero esta es la primera formación, que podríamos llamar fundadora. En los años de existencia del grupo, entre 1960 y 1969, transitarán por Los Impala numerosos integrantes, entre los que se destaca Rudy Márquez, que después siguió su carrera como solista.

Ya es historia repetida en el pop latinoamericano de los 60, el grupo se inició cantando versiones de temas , ya muy populares en otros idiomas. Y de ahí nace este éxito “La ví parada allí (I Saw Her Standing There), algo extraño, si tomamos en cuenta que cantar canciones de los Beatles, en plena época del peak de los “melenudos de Liverpool”, esta toda una osadía. Sin embargo los chicos de Venezuela imponen su versión en castellano, todo un mérito.

Después de una breve separación se reagrupan nuevamente en 1966, donde se incorpora Rudy Márquez, y se van a Europa donde viven del éxito hasta su disolución definitiva en 1970.

La historia de Los Impala no se selló hace 38 años, en varias ocasiones se han reunido nuevamente para sacarle un poquito de jugo a su sitial de iniciadores de la nueva ola venezolana.

La ví parada allí, Los Impala del año 1965 pinche acá

Domenico Modugno: "La distancia es como el viento" (1970)

*Por A.V.
Una serie de hechos tristes sucedieron aquel invierno de 1994. El 18 de julio se fijó en mi memoria por haber transmitido para la radio que trabajaba en Argentina, los trágicos sucesos de atentado contra la AMIA en Buenos Aires. La misión fue relatar a los oyentes las impactantes imágenes que mostraba la televisión y los últimos reporter nacidos entre la confusión del momento.

Quizás este suceso, todavía vigente entre los que esperan justicia, no tenga mucho que ver con la música, pero igual lo asocio por la sensación de tristeza. A pocos días del atentado, tuve la obligación de entregar los oyentes otra noticia triste. Ese 6 de agosto murió el cantante italiano Domenico Modugno.

Modugno, desde 1984 venía con su salud muy quebrantada tras un accidente cerebro vascular, que lo alejó del mundo que amaba, el canto. Domenico Modugno nació en enero de 1929, en medio de una familia de escasos recursos. En 1958 su canción Volare (Nel blu dipinto di blu) ganó el Festival de Sanremo, hecho que lo llevó de inmediato a Eurovisión con el mismo tema representando a Italia.

Cantante, actor y político en sus último años, Domenico siempre estuvo presente en el mundo de la música entregándonos sus creaciones: Ciao, ciao bambina, Dios, cómo te amo, Un puntapié a la ciudad y la hermosa canción Como has Hecho.

Para recordar La distancia es como el viento (La Lontananza) de 1970, haga clik aquí

Gene Kelly: "Cantando bajo la lluvia" (Singing in the rain, 1952)

Hay canciones optimistas, de esas que levantan el ánimo. Una de estas podría ser “Cantando bajo La Lluvia” de Gene Kelly de la película del mismo nombre, filmada en 1952.

Esta película cuenta la historia de traumático del paso del cine mudo al sonoro de una actriz famosa en los años 20. Kelly junto a Debbie Reynold y Donald O´Connors, dan vida a esta obra musical de la industria del cine norteamericano, co dirigida por Kelly con Stanley Donen.

Sobre la escena de la película donde Gene Kelly interpreta y baila “Singin in the Rain”, la historia cuenta que se filmó en una semana, en un estudio fabricado en Nueva York. Los trabajos se desarrollaron en verano con el actor y bailarín muy afectado de salud. El resultado final, uno de los pasajes más recordado del cine norteamericano de los años 50.

Kelly nació en 1912, y comenzó su carrera en el mundo del espectáculo cantando con sus hermanos. Tras estudiar economía, vuelve al mundo del cine. Trabajó con mujeres como Rita Hayworth y Frank Sinatra. Filmó varias películas en el estilo musical. Sus últimos trabajos fue en la película Xanadu con Olivia Newton John. Falleció en febrero de 1996, a los 84 años.

Para guardar este buen recuerdo de la música de la mejor época de los musicales del cine gringo, pinche abajo.

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